La vida es algo maravilloso

“La Vida es algo maravilloso. Que baila, salta, vuela, ríe y pasa”

Jacques Henri Lartigue

Jacques Henri Lartigue explicaba en numerosas ocasiones que desde pequeño siempre había experimentado la sensación –él la define como terrible enfermedad- de que todo lo que le entusiasmaba se le escapaba de las manos y no duraba nada. Posteriormente esta sensación se convertiría para el galo en pura obsesión por el paso del tiempo y por retener cada instante entre sus dedos.

Desde muy pequeño, cuando ni siquiera se le podía llamar fotógrafo, el francés ya mostró una sensibilidad especial y una gran capacidad para inmortalizar los momentos sencillos y cotidianos que a la larga componen el inmenso mosaico de la vida. No superaba aún los diez años cuando su padre, gran aficionado a la fotografía, le regaló su primera máquina y le animó a investigar y capturar la vida que tanto le obsesionaba. Se trataba de una cámara plegable Le Revé, de carrete extraíble 8 x 11 cm, que reposa en una vitrina de la exposición, con la que Lartigue comenzó a solventar el problema del paso del tiempo.

Contaba con ocho años y ya había realizado fotografías con un sentimiento y una belleza, tanto técnica como de ejecución, increíbles, véase como muestra un retrato de su padre y su madre, que evoca el amor de un matrimonio feliz. Y es que, durante toda su obra, este fue el motivo principal: la felicidad. Se dice que en alguna ocasión se le escuchó decir: “Nací feliz, eso ayuda, ¿no es cierto?”. Toda una declaración de intenciones respecto a su idea de la vida.

Lartigue nunca se consideró un fotógrafo, ni mucho menos, por tanto, un profesional. Pasaba las horas muertas con su cámara en la mano, inmortalizando todo aquello que sus ojos veían y que, como él ya había descubierto de niño, era tan efímero y se escaparía tan pronto de su alcance que posiblemente ni se diese cuenta. Sin embargo, pese a no considerarse profesional en la materia, sí es cierto que a lo largo de toda su creación existe un hilo argumental: la felicidad de la vida cotidiana en familia y el paso del tiempo.

Esta etiqueta de fotógrafo aficionado que se quiso colocar le sirvió para tomarse la licencia de experimentar a su juicio con todo aquello que le apetecía en cada momento. En pocas palabras: le ofreció la garantía de no tener que rendir cuentas a nadie, ni agencias ni nada por el estilo. Sólo se limitó a captar aquello que en cada instante le parecía bello. Un buen ejemplo de ello son las fotografías que tomó de sus tres mujeres, que componen un álbum importante dentro de su obra. Bibi, Coco y Renée, tres bellísimas mujeres a las que no se cansó de retratar en el tiempo que duraron sus intensas relaciones y de las que captó imágenes preciosas.

Otra muestra más de la obsesión del fotógrafo por guardar cada momento para que no se escapase a su memoria son los diarios de Lartigue, incluidos en la muestra, en los que anotaba absolutamente todo lo que hacía, segmentando el día por horas, además de todo tipo de acotaciones meteorológicas durante más de setenta años día en los que no falta ningún día.

El encuadre es uno de los puntos fuertes de Lartigue, ya que con encuadres aparentemente sencillos o poco estudiados, como si en ocasiones hubiese disparado sin pensarlo, consigue captar el preciso instante en el que la mirada de una mujer se posa en su objetivo, el momento exacto en el que un hombre cae al agua o el paso fugaz de un vehículo de carreras por la recta en la que él se encontraba con su equipo fotográfico. Imágenes muy en la línea de aquellos momentos perfectos de Cartier-Bresson.

Caixa Forum (Paseo del Prado, 36) ofrece una gran retrospectiva del fotógrafo francés, compuesta por más de 230 piezas, además de los diarios del autor y algunas de las máquinas que utilizó en su labor. Auténticas piezas de museo que nos enseñan como realizó sus tomas Lartigue, además de una parte importante de la historia de la fotografía, ligada a los nombres de Eastman, Kodak o Lippman, entre otros.

La muestra Un mundo flotante. Fotografías de Jacques Henri Lartigue (1894-1986) estará en cartel hasta el 19 de junio en Caixa Forum, de lunes a domingo de 10:00 a 20:00 horas. La entrada es gratuita.

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Infancia

Parece que Isabel Muñoz es el nombre de moda en el mundo de la fotografía. Lo cierto es que su trabajo es incuestionable. Esta vez la artista aborda el tema de la infancia en diferentes casos particulares de niños que han tenido que salir adelante en situaciones complicadas.

La exposición está organizada por UNICEF y la Fundación La Caixa, y conmemora el vigésimo aniversario de la creación de la Convención sobre los Derechos del Niño. Además cuenta con la colaboración del Ministerio de Asuntos Exteriores y Cooperación.

En la muestra se pueden ver retratos de niños realizados en cuatro continentes, que muestran las adversidades que han de superar estos para sobrevivir en un mundo difícil y cargado de miserias. Algunas fotografías son de muy bella factura y muy coloristas.

Sin embargo, la disposición de las fotografías, en grandes paneles luminosos colocados en una especie de laberinto, en una pequeña sala, no permite el visionado de la exposición en las condiciones que se merece. La gente se aglutina alrededor de los paneles y en ocasiones resulta difícil seguir la visita y pasar a otra foto.

No obstante, lo que no se puede negar es el arte y la visión de la realidad de los más desfavorecidos, de los más alejados a nuestra cultura y de todas éstas que tiene la fotógrafa, galardonada con el premio de la fotografía de la Comunidad de Madrid de 2006.

La exposición permanecerá en Caixa Forum (paseo del Prado, 36), hasta el 15 de enero. El horario de visitas es de lunes a domingo, de 10 a 20 horas.

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Rituales corpóreos

Rodeado de un sitio que a mí siempre me pareció tétrico y mientras el cielo amenazaba con una lluvia temprana. Así es como llegué a la torre de exposiciones del Canal de Isabel II de Madrid, después de pasar los controles rutinarios de seguridad.

La exposición versaba sobre uno de los nombres de moda dentro del mundo de la fotografía en los últimos meses: Isabel Muñoz. La fotógrafa, que recientemente ha ganado el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid, se centra en esta exposición en la relación del cuerpo con la religión.

Isabel Muñoz es una fotógrafa de los contornos humanos. Posiblemente no haya otro artista que se haya centrado más en estudiar nuestra relación anatómica con cualquier fenómeno externo: el amor, la religión… Esta vez, la exposición adquiere cierto tono místico y desde la primera toma de contacto no dejará indiferente a nadie.

La muestra recoge más de 50 imágenes sobre las prácticas místicas de grupos religiosos en diferentes localizaciones geográficas: Irán, Irak, Siria y Turquía. Desde lo más místico a lo más doloroso, llama la atención la serie Nadie Sabe, tomada durante una práctica en Irak, en la que los más expertos en el conocimiento de su cuerpo llevan a cabo prácticas físicas basadas en el dolor, no alcanzadas por los más novatos, y que seguramente no serán comprendidas por los visitantes. Cuesta bastante terminar de ver esta serie de imágenes.

Por otro lado, conforme vamos culminando nuestra ascensión hasta la cúpula del antiguo depósito –tal vez metafórico con la ascensión de estos cuerpos hasta los brazos de su dios- podemos ver la ceremonia de baile de los derviches giradores de Turquía. Un ritual en el que el cuerpo se convierte en el único instrumento de contacto con el dios y en el que llegado un momento determinado, sin dejar de girar, el danzante alza la mano derecha para recibir la gracia de Alá, mientras su mano izquierda está orientada hacia la tierra, para enviársela a ella.

En palabras de Juan Goytisolo: "los derviches giran como peonzas, sus túnicas forman anillos saturnales, el blanco torbellino de los pliegues deviene levitación. Siguiendo las pautas del guía, se incorporan a una u otra de las órbitas planetarias, pasan del equinoccio al solsticio, del invierno al verano: cielos astros, elementos terrestres evolucionan con la ligereza del átomo, su remolino es el de las almas sumisas a la universal gravitación solar".

La exposición concluye en la cúpula con una proyección audiovisual sobre este rito de danza religiosa turca, en el que junto a la música tradicional, una serie de imágenes ponen en situación al espectador sobre el ritual religioso y corpóreo.

Isabel Muñoz puede gustarte o no, pero es evidente que tiene una cualidad muy ansiada por todos: la de no dejar indiferente a ninguna mirada.

“El amor y el éxtasis” estará en la sala de exposiciones del Canal de Isabel II de Madrid hasta el 26 de septiembre. El horario de visitas es el siguiente: de martes a sábado, de 11 a 14 y de 17 a 20:30 horas. Los domingos y festivos, de 10 a 14 horas. Los lunes la sala permanecerá cerrada.

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Harry Burton y el desentierro del faraón

Enmarcada en la exposición Tutankhamon. Los tesoros del faraón, que visita Madrid este verano, se encuentra, a modo de final de trayecto, una exposición fotográfica del fotógrafo arqueológico de la expedición, Harry Burton, sobre las excavaciones que llevaron a Howard Carter y Lord Carnavorn al descubrimiento de la tumba del faraón egipcio Tutankhamon.

Antes de dedicar nuestra atención a la muestra fotográfica, hay que destacar que no se puede visitar por separado, es decir, sólo se puede ver la exposición si antes se ha recorrido todo el resto de la galería, ya que ésta se encuentra en el pasillo de salida de la recopilación de objetos y la réplica del busto dorado del faraón niño.

La exposición general está muy bien preparada, y su visita puede llevarnos horas, dependiendo de con qué detenimiento observemos cada objeto y nuestro propio interés por el tema, pero sin lugar a dudas, merece bastante la pena. Desde aquí animamos a aquellos que tengan dudas a que se acerquen.

Cuando ya pensaba que mi paseo había concluido y me encaminaba hacia la calle, me topé de repente con un pasillo repleto de imágenes en las que aparecían los trabajadores extrayendo los tesoros con los que Tutankhamon viajó al reino de los muertos. Sillas, tronos, iconos, ídolos, barcas, carros de combate, elementos de caza, los propios sarcófagos dorados y toda la parafernalia que le acompañó en su tránsito, inmortalizadas por el objetivo del reportero.

Harry Burton era, por aquel entonces, el fotógrafo del Museo Metropolitano del Arte de Nueva York, y en el momento en el que se tuvo conocimiento del hallazgo encontrado, el centro le envió con su cámara a retratar cada uno de los trabajos de exhumación. En numerosas fotografías se puede ver al propio Carter y a Lord Carnavorn, que, días antes de que se encontrase el primer peldaño, estuvo a punto de retirar la financiación con la que Carter dirigía la excavación.

La muestra fotográfica, acompañamiento exquisito al resto de la exposición, supone una perfecta documentación visual de la situación en la que se llevaron a cabo los trabajos en Egipto. Un conjunto de imágenes en blanco y negro, por supuesto, que detallan y datan la ilusión de los impulsores del proyecto y cómo el pueblo egipcio se volcó con el hallazgo de su antepasado más reconocido en el futuro.

La exposición “Tutankhamon. Los tesoros del faraón” se encontrará hasta el día 17 de octubre en el pabellón 12 de la Casa de Campo (metro Lago, línea 10). El horario de visitas es de domingo a jueves de 10 a 20 horas 18:30 – 19:00); y viernes y sábados de 10 a 22 horas (última admisión de 20:30 – 21:00).

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Por los tiempos de Manhattan

Con motivo de PhotoEspaña 2010, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía acoge la exposición colectiva Manhattan, uso mixto. Fotografía y otras prácticas artísticas desde 1970 al presente. Pese al nombre tan largo, se puede decir que la exposición consta de alrededor de cuatrocientas fotografías aderezadas con algunas pequeñas proyecciones y videos.

El conjunto de las fotos está considerado como una muestra de mucha altura. No defraudará al que vaya a ver la exposición y pague los tres euros (si eres estudiante la entrada es gratis y da derecho a ver todo el resto del museo), aunque creo que tampoco saldrá demasiado entusiasmado de la exposición, en cuanto a la belleza de ésta, pero sí, en cambio, a su valor documental. Fotografías, algunas que dicen mucho y otras que no aportan absolutamente nada, pero que muestran, sin duda, el tiempo.

Con una organización un poco caótica, quizá mejorable, los pasillos del Reina Sofía acogen series de aquí y de allá, sin aparentemente orden lógico, ni cronológico, ni por autor, ni temática. Se podría decir que Manhattan se convierte en el edificio Sabatini del Reina Sofía en un conjunto de pasillos que se entrelazan de manera similar a los transbordos de metro, plagados de fotogramas.

Existen series colectivas verdaderamente impactantes y originales, fruto del trabajo de multitud de autores, que retrataron el cambio que sufrió la ciudad desde los años setenta, con el aprovechamiento de las naves industriales por parte tanto de artistas como de los encargados de diversas actividades muy lejos del arte, hasta la actualidad más cercana.

La muestra recoge muchas imágenes que muestran un Manhattan cargado de melancolía y calles vacías, como delatan las fotografías de Peter Hujar o, sobre todo, las de Catherine Opie, fantásticas. También me parecieron de lo más destacable las series de Barbara Probst y Robert Longo en las que se pueden ver varias personas sobre una azotea y al fondo el skyline neoyorquino y en actitud artística. Ese es el aprovechamiento de la ciudad del que hablábamos anteriormente.

También se dota de series extravagantes esta exposición. Así lo documenta la serie que Emily Roysdon tomó en los muelles abandonados en la orilla del río Hudson, por ejemplo, en la que aparecen parejas, heterosexuales y homosexuales, practicando sexo, entre muchas otras actividades que no nos serán para nada indiferentes. Un tipo de trabajo que se acerca más a lo fotoperiodístico que al arte.

No sería mi impresión la misma si me hubiese ido sin pasar por la última sala. Se hubiese quedado la muestra un poco huérfana en cuanto a lo artístico. En ella se muestran fotografías de una serie de Jennifer Bolande. La artista recorrió las calles de la ciudad fotografiando bolas del mundo en los alfeizares de la ventana. Posiblemente esta serie sea una de las que menos valor documental tenga, pero a mí fue una de las que más me gustó y me pareció eternamente tierna. Muy evocadora de la infancia, en la que cualquiera ha jugado alguna vez con algún globo terráqueo de estas características.

Manhattan, uso mixto es, más que una exposición fotográfica, una muestra del paso del tiempo a través de las modificaciones a las que se ve sometida la ciudad. Una muestra colectiva muy acertada, teniendo en cuenta el tema central de PhotoEspaña: el propio paso del tiempo.

En definitiva, una exposición interesante sobre Manhattan, de la que merece la pena aprovechar su paso por Madrid, aunque sigo pensando que para conocer mejor Manhattan y Nueva York mediante el arte es necesario ver a Woody Allen. La exposición se podrá ver en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía hasta el 27 de septiembre.

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Las tres orillas de Mordzinski

Una exposición para amantes de la literatura. Creo que esa sería la frase con la que resumiría la muestra que expone el Instituto Francés de Madrid (Marqués de la Ensenada, 12), dentro del marco de PhotoEspaña 2010, hasta el próximo día 23 de julio.

Yo, como amante de la literatura, aviso de que antes de ponerme a escribir, incluso antes de visitar la sala de exposiciones, situada en la embajada francesa, adolezco de cierta imparcialidad. Me confieso seguidor del trabajo de este fotógrafo argentino afincado desde 1980 en París.

Las tres orillas recoge alrededor de 150 retratos de grandes escritores y personalidades del mundo contemporáneo de las letras. Su carrera le ha llevado a erigirse como “el fotógrafo de los escritores”, y parece complicado quitarle esa etiqueta. Todo empezó en 1978, con una azarosa fotografía en la que el genio argentino Jorge Luis Borges aparece en Buenos Aires interceptado vagamente por el dedo de una persona, que parece señalar a algún tipo de infinito por encima de la mente del escritor.

Al principio la fotografía no revistió especial importancia para el fotógrafo, que por entonces no sabía, ni siquiera imaginaba que iba a terminar construyendo aquel abanico de escritores, esa colección de mariposas, como le gusta llamarla, según confiesa en anteriores entrevistas.

Aunque la totalidad de su obra no comenzó con la literatura y los escritores, siempre tuvo algo que ver con ella. Al poco de llegar a París, le pidieron una exposición de sus fotografías, que tenían como tema central a los mendigos que se colocaban delante de las puertas de los restaurantes. Entonces, con cierto descaro, no dudo un instante en llamar a la persona que él consideraba que le había hecho llegar, de alguna manera, a París: Julio Cortázar, mediante su obra.

Y allí estaba el escritor, en la exposición de un desconocido fotógrafo que le había dejado un mensaje en el contestador. A partir de entonces, su carrera fotográfica se puede decir que ha estado marcada, de inicio a fin, por los escritores y la literatura. Y eso es, precisamente, lo que se expone en esta muestra del Instituto Francés.

De las paredes de la galería cuelgan retratos de grandes personalidades de las letras patrias, Ana María Matute, con su pelo cándido y canoso, o el recientemente fallecido Miguel Delibes, con un propio retrato suyo a la espalda, en una clara interpretación del paso del tiempo. La mirada penetrante de un oscuro Camilo José Cela, que cala hondo desde el marco inerte, o la mirada también, esta vez algo nostálgica de Vázquez Montalbán que, junto a su perro, atisba el horizonte por la ventana.

También dedica el platense un espacio a los escritores españoles más contemporáneos, véase tanto Juan José Millas o Javier Marías, como Almudena Grandes y García Montero en un retrato conjunto; José Manuel Fajardo Fajardo, Julio Llamazares y Rosa Montero en una bonita foto grupal, o Juan Cruz, que visita al cronopio de la tumba de Cortázar y Carol Dunlop.

Enrique Vila-Matas posa en actitud de pseudo-héroe con varios retratos en las cartucheras, mientras Carlos Salem aparece con un tatuaje de un ancla y su clásico pañuelo en la cabeza. Pero no son los únicos, la lista no acaba: Andrés Neuman, Muñoz Molina, Javier Cercas… y una larga lista de grandes firmas de nuestra literatura que pasan por el objetivo de Mordzinski.

No se olvida éste de los más cercanos, lingüísticamente hablando, y el apartado latinoamericano es bastante notable también. Como una de sus orillas, quizá la más productiva, su objetivo da buena cuenta de grandes nombres de todos los tiempos en cuanto a la literatura latina, como el ya citado Borges, un pensativo Vargas Llosa, Julio Cortázar, o Gabriel García Márquez, en la que para mí es la foto con mejor composición de toda la muestra, junto al retrato de Santiago Gamboa.

Octavio Paz se muestra serio, mientras que Mario Benedetti figura detrás de un niño que le roba algo de protagonismo en la instantánea, tal vez queriendo jugar a despistar con el eterno niño que siempre quiso ser. Otro poeta, como Juan Gelman mira fríamente a la cámara, llegando incluso a dar impresión de amenazarla, en contraposición a la mirada melancólica y algo triste de Ernesto Sabato.

Más recientemente, temporalmente hablando, aparecen el malogrado Roberto Bolaño, Juan Gabriel Vásquez, Karla Suárez, Luis Sepúlveda, Reina María Rodríguez, Álvaro Mutis, entre otros.

Y por último, la tercera orilla, que se erige en la novedad desde su última exposición en la capital. Esa tercera oleada que está compuesta por los retratos de escritores internacionales, de lenguas distintas al castellano. En ella destacan desde Levi Strauss hasta Amelie Nothomb, en un ambiente muy lúgubre, pasando por grandes nombres de la literatura universal como el afgano Atiq Rahimi, o el crítico Frederic Beigbeder, en otra preciosa imagen junto a su gato.

Nombrar todos los escritores que aparecen retratados por Daniel Mordzinski sería una tarea prácticamente imposible. Es mucho mejor acudir, si disponen de la oportunidad, a la sala de exposiciones de la embajada francesa y disfrutar de la muestra. Eso si, no esperen encontrarse con retratos convencionales, porque si algo diferencia los retratos del argentino es su personalidad propia, capaz de extraer una parte del alma del retratado, que disfruta y juega delante del objetivo, o que se muestra de una manera natural frente a él.

Las tres orillas de Daniel Mordzinski permanecerá en la galería del Instituto Francés de Madrid (Marqués de la Ensenada, 10) hasta el 23 de julio. El horario de visitas es de lunes a viernes de 10:30 a 20 horas. La entrada es libre.

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La mirada tierna de Adriana Lestido

Envuelta en el marco de PhotoEspaña, la Casa de América de Madrid acoge una de las exposiciones que más me han gustado en los últimos años. Amores difíciles, de Adriana Lestido, es una exposición que recoge la viveza y el paso del tiempo, y que ayuda a comprender los distintos tipos de amor que nos tocan a lo largo de la vida.

En el mejor marco posible, la recogida y coqueta sala de exposiciones de Casa de América, la fotografía de Lestido nos transporta a varias situaciones de la vida de varias mujeres con alrededor de 160 instantáneas en blanco y negro.

Desde las fotografías tomadas en un hospital infanto-juvenil, entre el año 1986 a 1989, hasta los últimos experimentos fotográficos de la argentina, en Villa Gesell, una ciudad de la costa argentina, en el año 2005; la artista hace pasar su objetivo por todas las relaciones de amor posibles, con fotografías que, en palabras de la propia autora, tratan de mostrar la dificultad de amar.

Con un marcado acento fotoperiodístico, que se ha ido apagando conforme al paso de los años, para dar paso a la vena más artística; los inicios de Adriana Lestido dejan entrever una fotografía más comprometida y más social, véase la preciosa imagen de una madre manifestándose y gritando con su niña en brazos o la propia serie sobre el hospital infanto-juvenil, que muestra cómo transcurre la infancia dentro de un centro de salud.

Si analizamos por partes la exposición, Madres adolescentes trata de dar voz a esas madres jóvenes que sacaron adelante a sus pequeños en tiempos difíciles con muy pocos recursos y con la soledad y el miedo a flor de piel. Mujeres presas, la parte más impactante de la exposición, narra fotográficamente la vida y las sensaciones de las mujeres que convivían en las cárceles, donde también vivían madres con sus hijos, que se convierten un poco en los hijos de todas las mujeres presas.

El trabajo de Lestido en Madres e hijas es el más intimista de la fotógrafa. Para llevarlo a cabo, convivió durante tres años con cuatro madres y sus cuatro hijas, y retrató muchos de los momentos más íntimos en la relación materno-filial que se da entre estas mujeres. El resultado de esta labor es una serie de fotografías que conmueven y calan hondo en la mente del lector, que puede incluso evocar muchas situaciones que se hayan dado a lo largo de su vida junto a su madre.

Por último, la exposición recoge una de las últimas series que ha realizado Lestido. El amor recoge imágenes que parten de la propia experiencia personal de la autora y que se acercan más al ámbito artístico que cualquier fotografía de las otras secciones. Cabe destacar una de las imágenes que ilustran la publicidad de esta exposición por toda la ciudad en paradas de autobús y letreros publicitarios: La salsera, de la que pocas explicaciones caben. Simplemente su visión es suficiente.

Durante toda la exposición, las instantáneas, perfectamente presentadas visualmente, se dotan de una ternura especial y dejan claro que la fotógrafa consiguió reflejar, sin duda alguna, las relaciones de amor, en todos los ámbitos en los que se propuso hacerlo.

En el año en que PhotoEspaña ha querido dar importancia al paso del tiempo, la exposición Amores difíciles es un perfecto ejemplo de cómo nacemos, y desde ese momento, nos empezamos a preparar para la separación de nuestra madre, y viceversa. La ternura y la experiencia de Lestido plasmadas en sus películas. Una manera de hacer fotografía de una mujer para la que, según sus propias palabras, “fotografiar es quitarse oscuridad de encima”.

Amores difíciles. Adriana Lestido. En Casa de América hasta el 29 de agosto de 2010. Exposición perteneciente a PhotoEspaña 2010.

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