15M o cuando algo se mueve

LIGERAMENTE DESENFOCADO - 5

15-M. ¡Qué maravilla cuando algo por fin se mueve! Que la sociedad está aletargada no es nada novedoso para nadie. Cualquiera puede comprobarlo… o al menos podía hacerlo hasta ahora. ¿Qué tendrá Mayo?

Las redes sociales nos han dado una posibilidad de organización tremenda, la cual era inimaginable antes de su llegada. Ahora los jóvenes, esos que eran unos tiraos y que no tenían arreglo, aquellos que se decía que estaban acomodados y completamente fulminados, se han organizado para protestar juntos, gusten o no las maneras adoptadas.

Pero no vengo aquí a hablaros del movimiento del 15-M y de la acampada de Sol y sucesivas; seguramente estéis cansados ya de escucharlo y, por supuesto, alguno de los que decida leer estas breves palabras tendrá una visión más completa y estará más capacitado para hablar de ello que el que suscribe.

No obstante, me han llamado la atención en los días y noches que he podido acudir a la acampada, dos aspectos: la cantidad de gente que inmortaliza el momento, profesionales o no, y el afán de las personas por conservar el instante, muchas veces sacrificando para ello, el placer de vivirlo.

La fotografía tiene un papel sencillo pero a la vez importante. Dentro de años encontraremos un archivo gigantesco de fotografías del movimiento –son numerosos los fotógrafos de medios que circulan, cámara en mano, por cada esquina de la plaza-. No serán los únicos. En la Puerta del Sol hay también fotógrafos semiprofesionales, que realizan un trabajo espectacular y digno de mención, que en muchos de los casos no será publicado –salvo en sus propias galerías- y que documentan perfectamente el ambiente reinante en la protesta.

La fotografía digital es lo que tiene. Cambia por completo el panorama que había hasta entonces, en la que disparar una fotografía era carísimo, respecto a lo que cuesta unitariamente la toma ahora –apenas nada-. Tal vez sea esta reducción en el coste lo que nos lleva a disparar como locos en muchas ocasiones. Mejor asegurar que jugárnosla a que una foto salga sin foco o algún elemento indeseado se nos cuele. Ya sabemos cómo somos los fotógrafos…

He podido ver en Sol estos días, entre asamblea y asamblea, entre consenso y disensión, gente que dispara indiscriminadamente a todo lo que se cruza en su camino. Es cierto que la ocasión merece alguna fotografía, sí; es bonito el ambiente de unión que se respira y la panorámica de edificios llenos de carteles de protesta, junto con la mezcla de razas, culturas urbanas y edades que existe.

Sin embargo el afán de fotografiar todo nos hace disiparnos del ambiente. Hay veces en las que es mejor disfrutar de un instante, que tratar de plasmarlo en una fotografía. Puede ocurrir que, si no, la fotografía persista para siempre, pero nuestro recuerdo se esfume en un abrir y cerrar de ojos.

En Sol hay mucha creatividad, tanto fotográfica como en el resto de ámbitos, pero también hay un cierto exceso de lo que algunos ya llaman –lo he oído- fotoperiodismo callejero. Una expresión horrorosa, por cierto, aunque para gustos…

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La vida es algo maravilloso

“La Vida es algo maravilloso. Que baila, salta, vuela, ríe y pasa”

Jacques Henri Lartigue

Jacques Henri Lartigue explicaba en numerosas ocasiones que desde pequeño siempre había experimentado la sensación –él la define como terrible enfermedad- de que todo lo que le entusiasmaba se le escapaba de las manos y no duraba nada. Posteriormente esta sensación se convertiría para el galo en pura obsesión por el paso del tiempo y por retener cada instante entre sus dedos.

Desde muy pequeño, cuando ni siquiera se le podía llamar fotógrafo, el francés ya mostró una sensibilidad especial y una gran capacidad para inmortalizar los momentos sencillos y cotidianos que a la larga componen el inmenso mosaico de la vida. No superaba aún los diez años cuando su padre, gran aficionado a la fotografía, le regaló su primera máquina y le animó a investigar y capturar la vida que tanto le obsesionaba. Se trataba de una cámara plegable Le Revé, de carrete extraíble 8 x 11 cm, que reposa en una vitrina de la exposición, con la que Lartigue comenzó a solventar el problema del paso del tiempo.

Contaba con ocho años y ya había realizado fotografías con un sentimiento y una belleza, tanto técnica como de ejecución, increíbles, véase como muestra un retrato de su padre y su madre, que evoca el amor de un matrimonio feliz. Y es que, durante toda su obra, este fue el motivo principal: la felicidad. Se dice que en alguna ocasión se le escuchó decir: “Nací feliz, eso ayuda, ¿no es cierto?”. Toda una declaración de intenciones respecto a su idea de la vida.

Lartigue nunca se consideró un fotógrafo, ni mucho menos, por tanto, un profesional. Pasaba las horas muertas con su cámara en la mano, inmortalizando todo aquello que sus ojos veían y que, como él ya había descubierto de niño, era tan efímero y se escaparía tan pronto de su alcance que posiblemente ni se diese cuenta. Sin embargo, pese a no considerarse profesional en la materia, sí es cierto que a lo largo de toda su creación existe un hilo argumental: la felicidad de la vida cotidiana en familia y el paso del tiempo.

Esta etiqueta de fotógrafo aficionado que se quiso colocar le sirvió para tomarse la licencia de experimentar a su juicio con todo aquello que le apetecía en cada momento. En pocas palabras: le ofreció la garantía de no tener que rendir cuentas a nadie, ni agencias ni nada por el estilo. Sólo se limitó a captar aquello que en cada instante le parecía bello. Un buen ejemplo de ello son las fotografías que tomó de sus tres mujeres, que componen un álbum importante dentro de su obra. Bibi, Coco y Renée, tres bellísimas mujeres a las que no se cansó de retratar en el tiempo que duraron sus intensas relaciones y de las que captó imágenes preciosas.

Otra muestra más de la obsesión del fotógrafo por guardar cada momento para que no se escapase a su memoria son los diarios de Lartigue, incluidos en la muestra, en los que anotaba absolutamente todo lo que hacía, segmentando el día por horas, además de todo tipo de acotaciones meteorológicas durante más de setenta años día en los que no falta ningún día.

El encuadre es uno de los puntos fuertes de Lartigue, ya que con encuadres aparentemente sencillos o poco estudiados, como si en ocasiones hubiese disparado sin pensarlo, consigue captar el preciso instante en el que la mirada de una mujer se posa en su objetivo, el momento exacto en el que un hombre cae al agua o el paso fugaz de un vehículo de carreras por la recta en la que él se encontraba con su equipo fotográfico. Imágenes muy en la línea de aquellos momentos perfectos de Cartier-Bresson.

Caixa Forum (Paseo del Prado, 36) ofrece una gran retrospectiva del fotógrafo francés, compuesta por más de 230 piezas, además de los diarios del autor y algunas de las máquinas que utilizó en su labor. Auténticas piezas de museo que nos enseñan como realizó sus tomas Lartigue, además de una parte importante de la historia de la fotografía, ligada a los nombres de Eastman, Kodak o Lippman, entre otros.

La muestra Un mundo flotante. Fotografías de Jacques Henri Lartigue (1894-1986) estará en cartel hasta el 19 de junio en Caixa Forum, de lunes a domingo de 10:00 a 20:00 horas. La entrada es gratuita.

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Ritts y el desnudo fotográfico

LIGERAMENTE DESENFOCADO - 4

La desnudez siempre nos atrajo. Creo que ninguna persona puede decir lo contrario. Quizás sea la atracción por lo desconocido. O casi mejor: por lo que nunca terminamos de conocer. Para la fotografía el desnudo es también algo mágico. Personalmente, creo que es la verdadera manera de retratar a una persona, lejos de convencionalismos, con la verdadera desnudez de su esencia, tanto exterior (la que aparentemente vemos) como interior (la que desconocemos incluso después de haber desnudado a alguien).

Estéticamente creo que el desnudo es lo más bonito de fotografiar para un artista. Si bien es cierto que es difícil encontrar a una persona con la que se establezca la compenetración necesaria para no sentir incomodidades por ninguna parte y para que la naturalidad fluya. Ese trabajo, lógicamente, tiene mucho que ver con el fotógrafo, aunque quien se encuentra delante del objetivo es quien más tiene en su mano la labor.

La cámara supone casi siempre una barrera entre las personas, a menudo imposible de saltar. Yo mismo, que suelo encontrarme por detrás del objetivo, desconfío a menudo de alguien a quien no pueda verle claramente la expresión. Por eso resulta difícil encontrar modelo.

Me encontraba días atrás con una publicación de un reportaje que mostraba algunas fotografías de Herb Ritts. En ellas se muestran algunos desnudos de personajes famosos, todas mujeres. Creo que es el mejor fotógrafo de desnudos que conozco. Me impresionó por encima del resto una imagen en la que aparece Cindy Crawford, completamente desnuda, sin nada que la cubra la piel, salvo su propio brazo por encima del pecho. Si te detienes a mirar la fotografía, puedes incluso ver cómo la piel del pecho de la actriz está erizada, lo que vulgarmente llamamos piel de gallina. Captar ese detalle es algo realmente increíble que consiguió el artista.

Nadie cuestiona la belleza del cuerpo femenino. Pero en cambio sí ocurre que se cuestiona la labor que conlleva intentar realizar esta toma. Es fácil y muy recurrente pensar en que solo se necesita una cámara, una modelo, un disparo… y listo, cualquiera puede ser un gran fotógrafo, como cualquiera puede desnudar a alguien. Ambas tareas tienen su quid.

Aprovecho estas palabras para reivindicar la difícil labor creativa que supone un desnudo. Y ya de paso para invitaros a ver el trabajo excepcional de Herb Ritts.

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Infancia

Parece que Isabel Muñoz es el nombre de moda en el mundo de la fotografía. Lo cierto es que su trabajo es incuestionable. Esta vez la artista aborda el tema de la infancia en diferentes casos particulares de niños que han tenido que salir adelante en situaciones complicadas.

La exposición está organizada por UNICEF y la Fundación La Caixa, y conmemora el vigésimo aniversario de la creación de la Convención sobre los Derechos del Niño. Además cuenta con la colaboración del Ministerio de Asuntos Exteriores y Cooperación.

En la muestra se pueden ver retratos de niños realizados en cuatro continentes, que muestran las adversidades que han de superar estos para sobrevivir en un mundo difícil y cargado de miserias. Algunas fotografías son de muy bella factura y muy coloristas.

Sin embargo, la disposición de las fotografías, en grandes paneles luminosos colocados en una especie de laberinto, en una pequeña sala, no permite el visionado de la exposición en las condiciones que se merece. La gente se aglutina alrededor de los paneles y en ocasiones resulta difícil seguir la visita y pasar a otra foto.

No obstante, lo que no se puede negar es el arte y la visión de la realidad de los más desfavorecidos, de los más alejados a nuestra cultura y de todas éstas que tiene la fotógrafa, galardonada con el premio de la fotografía de la Comunidad de Madrid de 2006.

La exposición permanecerá en Caixa Forum (paseo del Prado, 36), hasta el 15 de enero. El horario de visitas es de lunes a domingo, de 10 a 20 horas.

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Un archivo fotográfico en las manos

Década. Phaidon Press. 512 páginas. 39’95 €.

Todo fotógrafo o encargado del apartado de imagen siempre desea un gran archivo dónde encontrar lo que necesita. El periodismo precisa de ellos como los peces el agua. Phaidon Press está consiguiendo crear un archivo memorable con sus publicaciones sobre fotoperiodismo. Esta vez le toca el turno a Década, un atractivo libro que recoge más de 500 fotografías de prensa de los últimos años.

Tras el éxito arrollador de Century, y siguiendo la misma línea, Década hace lo mismo que su predecesor, con la única diferencia de que esta vez el periodo es más corto, por lo tanto, permite analizar un poco más en profundidad los hechos más importantes de estos diez años.

Si cogemos esta publicación y la repasamos de principio a fin podemos hacernos una idea visual de lo que han sido estos últimos diez años, los cambios vividos en el mundo y la situación actual respecto a la de una década atrás. Las fotografías precisan de todo lo que necesita un buen archivo fotográfico, los tres elementos imprescindibles: la imagen, el pie de foto y un breve texto de contextualización histórica, que permite al lector entender toda la magnitud de la imagen y del contexto en el que fue tomada.

La diversidad temática en estas imágenes es enorme. Década ofrece documentos gráficos relacionados con el arte, la política, los conflictos bélicos que se han mantenido activos en estos diez años, que no son pocos, los eventos deportivos, el avance de la ciencia y la tecnología… y muchos otros temas que podrás encontrar entre sus páginas.

Llama la atención que no sólo se centra en imágenes periodísticas puras, sino que guarda un pequeño lugar a lo que se ha dado en llamar “periodismo ciudadano”, que ofrece a esta edición una visión de algunos momentos que los fotoperiodistas no han podido recoger en ese instante, y que toman importancia por el contexto que inmortalizan, más que por la propia calidad de las imágenes.

Las fotografías están acompañadas por cinco ensayos iniciales, a cargo de Jonathon Porritt, Christopher Coker, Simon Kuper, Frank James y Christopher Burge; además de un breve texto inicial en cada año, que resume la situación y los hechos más importantes ocurridos en esos 365 días.

La guerra de Irak, los atentados del 11-S y el 11-M, la violencia en Oriente Medio, el primer trasplante de rostro o el recrudecimiento del régimen iraní, son algunos de los muchos acontecimientos recogidos en estas 512 páginas, que se constituirán como un gran referente documental para fotógrafos, periodistas y ciudadanos de a pie, que podrán disponer de un archivo en sus manos.

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Fotografías mentales

LIGERAMENTE DESENFOCADO - 3

Existe una extraña habilidad creada, casi exclusivamente, para la gente que gusta de la fotografía. Se trata de la posibilidad de hacer fotos en momentos en los que no disponemos de una cámara. Esto quiere decir, realizar “fotografías mentales”.

¿Quién no ha pensado alguna vez: “Ojalá tuviese aquí mi cámara” al ver cualquier posibilidad fotográfica? Me ocurre frecuentemente que camino por la calle cuando, de repente, algo me llama poderosamente la atención. Una imagen está ahí perfectamente preparada para que yo saque el equipo y la inmortalice por las eternidades. Pero en esos momentos nunca tengo cámara.

Entonces es cuando se activa este procedimiento. Me detengo a observar aquello que considero es una buena fotografía. Y la contemplo con tal atención que acaba por interiorizarse de tal manera que es como si verdaderamente hubiese accionado el botón del disparador.

Ocurre así que tengo carretes y carretes repletos de fotografías que nunca he tomado. Paisajes a través de la ventana del tren, retratos de la chica que más me gusta fotografiar, imágenes de músicos y artistas callejeros que hubiese tomado de haber tenido posibilidad… Mi retentiva actúa de esta manera como una especie de galería de exposiciones en la que guardo miles de imágenes que he ido adquiriendo “mentalmente”, y que nunca he llegado a ver impresas o en la pantalla de un ordenador, pero que, sin embargo, puedo rememorar incluso mejor, a veces, que las que sí tomé en otro momento.

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Rituales corpóreos

Rodeado de un sitio que a mí siempre me pareció tétrico y mientras el cielo amenazaba con una lluvia temprana. Así es como llegué a la torre de exposiciones del Canal de Isabel II de Madrid, después de pasar los controles rutinarios de seguridad.

La exposición versaba sobre uno de los nombres de moda dentro del mundo de la fotografía en los últimos meses: Isabel Muñoz. La fotógrafa, que recientemente ha ganado el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid, se centra en esta exposición en la relación del cuerpo con la religión.

Isabel Muñoz es una fotógrafa de los contornos humanos. Posiblemente no haya otro artista que se haya centrado más en estudiar nuestra relación anatómica con cualquier fenómeno externo: el amor, la religión… Esta vez, la exposición adquiere cierto tono místico y desde la primera toma de contacto no dejará indiferente a nadie.

La muestra recoge más de 50 imágenes sobre las prácticas místicas de grupos religiosos en diferentes localizaciones geográficas: Irán, Irak, Siria y Turquía. Desde lo más místico a lo más doloroso, llama la atención la serie Nadie Sabe, tomada durante una práctica en Irak, en la que los más expertos en el conocimiento de su cuerpo llevan a cabo prácticas físicas basadas en el dolor, no alcanzadas por los más novatos, y que seguramente no serán comprendidas por los visitantes. Cuesta bastante terminar de ver esta serie de imágenes.

Por otro lado, conforme vamos culminando nuestra ascensión hasta la cúpula del antiguo depósito –tal vez metafórico con la ascensión de estos cuerpos hasta los brazos de su dios- podemos ver la ceremonia de baile de los derviches giradores de Turquía. Un ritual en el que el cuerpo se convierte en el único instrumento de contacto con el dios y en el que llegado un momento determinado, sin dejar de girar, el danzante alza la mano derecha para recibir la gracia de Alá, mientras su mano izquierda está orientada hacia la tierra, para enviársela a ella.

En palabras de Juan Goytisolo: "los derviches giran como peonzas, sus túnicas forman anillos saturnales, el blanco torbellino de los pliegues deviene levitación. Siguiendo las pautas del guía, se incorporan a una u otra de las órbitas planetarias, pasan del equinoccio al solsticio, del invierno al verano: cielos astros, elementos terrestres evolucionan con la ligereza del átomo, su remolino es el de las almas sumisas a la universal gravitación solar".

La exposición concluye en la cúpula con una proyección audiovisual sobre este rito de danza religiosa turca, en el que junto a la música tradicional, una serie de imágenes ponen en situación al espectador sobre el ritual religioso y corpóreo.

Isabel Muñoz puede gustarte o no, pero es evidente que tiene una cualidad muy ansiada por todos: la de no dejar indiferente a ninguna mirada.

“El amor y el éxtasis” estará en la sala de exposiciones del Canal de Isabel II de Madrid hasta el 26 de septiembre. El horario de visitas es el siguiente: de martes a sábado, de 11 a 14 y de 17 a 20:30 horas. Los domingos y festivos, de 10 a 14 horas. Los lunes la sala permanecerá cerrada.

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Harry Burton y el desentierro del faraón

Enmarcada en la exposición Tutankhamon. Los tesoros del faraón, que visita Madrid este verano, se encuentra, a modo de final de trayecto, una exposición fotográfica del fotógrafo arqueológico de la expedición, Harry Burton, sobre las excavaciones que llevaron a Howard Carter y Lord Carnavorn al descubrimiento de la tumba del faraón egipcio Tutankhamon.

Antes de dedicar nuestra atención a la muestra fotográfica, hay que destacar que no se puede visitar por separado, es decir, sólo se puede ver la exposición si antes se ha recorrido todo el resto de la galería, ya que ésta se encuentra en el pasillo de salida de la recopilación de objetos y la réplica del busto dorado del faraón niño.

La exposición general está muy bien preparada, y su visita puede llevarnos horas, dependiendo de con qué detenimiento observemos cada objeto y nuestro propio interés por el tema, pero sin lugar a dudas, merece bastante la pena. Desde aquí animamos a aquellos que tengan dudas a que se acerquen.

Cuando ya pensaba que mi paseo había concluido y me encaminaba hacia la calle, me topé de repente con un pasillo repleto de imágenes en las que aparecían los trabajadores extrayendo los tesoros con los que Tutankhamon viajó al reino de los muertos. Sillas, tronos, iconos, ídolos, barcas, carros de combate, elementos de caza, los propios sarcófagos dorados y toda la parafernalia que le acompañó en su tránsito, inmortalizadas por el objetivo del reportero.

Harry Burton era, por aquel entonces, el fotógrafo del Museo Metropolitano del Arte de Nueva York, y en el momento en el que se tuvo conocimiento del hallazgo encontrado, el centro le envió con su cámara a retratar cada uno de los trabajos de exhumación. En numerosas fotografías se puede ver al propio Carter y a Lord Carnavorn, que, días antes de que se encontrase el primer peldaño, estuvo a punto de retirar la financiación con la que Carter dirigía la excavación.

La muestra fotográfica, acompañamiento exquisito al resto de la exposición, supone una perfecta documentación visual de la situación en la que se llevaron a cabo los trabajos en Egipto. Un conjunto de imágenes en blanco y negro, por supuesto, que detallan y datan la ilusión de los impulsores del proyecto y cómo el pueblo egipcio se volcó con el hallazgo de su antepasado más reconocido en el futuro.

La exposición “Tutankhamon. Los tesoros del faraón” se encontrará hasta el día 17 de octubre en el pabellón 12 de la Casa de Campo (metro Lago, línea 10). El horario de visitas es de domingo a jueves de 10 a 20 horas 18:30 – 19:00); y viernes y sábados de 10 a 22 horas (última admisión de 20:30 – 21:00).

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La guerra regresa a Madrid

“La verdad es la mejor fotografía, la mejor propaganda”. Son palabras del que está considerado el mejor fotógrafo de guerra: el húngaro André Friedmann. Tal vez les resulte más conocido si les digo Robert Capa.

¡Llaman a filas! El Círculo de Bellas Artes de Madrid acoge hasta el próximo 5 de septiembre la exposición ¡Esto es la guerra!, con fotografías del propio Capa, y otra muestra bajo el nombre Gerda Taro, de su incansable acompañante, gran fotógrafa, Gerta Pohorylle, que como su mentor también cambió el nombre por el de Gerda Taro, para evitar suspicacias y persecuciones sobre su ascendencia judía.

Siempre juntos en el combate, los dos fotógrafos fueron los creadores de una sociedad fotográfica excelente y ciertamente peculiar: André Friedmann se convertiría en el empleado de laboratorio, y Gerda Taro pasaría a ser la representante. Los dos estarían bajo la tutela de un misterioso fotógrafo americano que se encargaría de vender las fotos, que por supuesto eran las de los dos, a las revistas y diarios mundiales, bajo el nombre de Robert Capa. Así se creó la sociedad y el mito del fotógrafo más importante de la guerra.

Ambos de profundas ideas antifascistas, no dudaron un instante en acudir a informar sobre el levantamiento franquista de 1936 contra la Segunda República. En cuanto tuvieron conocimiento de la sublevación fascista, los dos emprendieron el viaje a la primera línea de fuego para informar con sus fotorreportajes desde revistas tan importantes como Life y Regards, entre otras.

La compenetración era evidente entre los dos fotógrafos, como queda patente en la propia muestra recogida por el Círculo, en la que muchas fotografías muestran series correlativas de imágenes, recogidas simultáneamente por los dos (véase la serie en la que se enmarca la clásica fotografía Muerte de un miliciano republicano, tomada por el fotógrafo dentro de una serie conjunta).

Pero este equilibrio era tal que si uno de los dos faltaba, el otro podría acusar mucho su pérdida, y en cualquier momento era viable que esto ocurriese, trabajando ambos como trabajaban en el frente. Así, mientras los dos cubrían la batalla de Brunete en 1937, un carro de combate blindado golpeó a Gerda. La fotógrafa murió con tan solo 26 años, sólo seis días antes de cumplir 27. Ese mismo 22 de julio había publicado un reportaje en la revista Regards que le había dado mucho prestigio.

Desde entonces, André siguió firmando sus fotografías con el nombre que ambos habían creado, aunque aquella firma nunca resultó igual que en su origen. Posteriormente fotografió el conflicto chino-japonés, del que dejó una conocidísima portada en Life, en la que aparece un niño soldado sobre un fondo gris; el final de la segunda guerra mundial, en la que las fotografías del desembarco de Normandía tomaron el protagonismo, y algunas series sobre la toma de Leipzig por las tropas americanas. Todas estas tomas se pueden ver en el Círculo en esta muestra conjunta.

La exposición, organizada por la Fundación Pablo Iglesias junto al International Center of Photography de Nueva York, cuenta con un gran número de fotografías, algunas incluso inéditas, extraídas de negativos encontrados recientemente. Las imágenes documentan los mayores conflictos del siglo XX y constituyen una memoria del horror y la devastación ocasionados por los conflictos bélicos. Junto a todas las fotografías se exponen también algunas notas, pies de foto o anotaciones sobre las propias imágenes, realizadas por el propio fotógrafo, además de una emotiva carta de Robert Capa a su madre y su hermano, desde el propio bastión de batalla, un par de días después del Día D.

Además de todo esto, la exposición muestra por encima de todas las cosas, la compenetración de dos grandes figuras de la historia de la fotografía y la creación de una firma común que se convertiría en el mejor reportero de guerra de la historia y que cambiaría la manera de hacer fotoperiodismo y su utilidad. Como muestra de esta exposición no me quedaría con ninguna de las clásicas imágenes de la guerra, sino que ilustraría esta exposición con una imagen de Fred Stein en la que ambos sonríen en un café de París en 1935.

“Esto es la guerra. Robert Capa / Gerda Taro”, permanecerá en la Sala Goya del Círculo de Bellas Artes de Madrid hasta el 5 de septiembre. El horario de visita es de martes a sábados de 11 a 14 y de 17 a 21 horas; y los domingos y festivos, de 11 a 14 horas.

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Prohibido hacer fotos

LIGERAMENTE DESENFOCADO - 2

Que hoy en día con todo se comercia es algo que todos sabemos. Cualquier pequeño motivo se convierte en objeto comercial en cualquier momento. Sólo hace falta la mente de un “visionario” que sea capaz de ver el negocio antes que los demás.

La fotografía, como no podría ser de otra manera, también se ha convertido en pura mercancía en la gran mayoría de museos, centros de arte o edificios de interés cultural de cualquier ciudad.

Normalmente la excusa suele ser el deterioro que sufren los objetos cuando son sometidos a los destellos del flash. Hasta aquí entendible, ¿pero cuál es la motivación que lleva a estos museos, centros de arte, edificios de interés cultural (a partir de ahora los llamaré entidades gestoras, por el mero hecho de abreviar) a prohibir todo tipo de fotografías dentro de sus recintos, incluso las que no precisan de flash?

Aquí es, donde a mi juicio, radica el negocio. Si estuviese permitida la realización y toma de imágenes de cuadros, estatuas y demás, las entidades gestoras no tendrían la posibilidad de comerciar con las propias fotografías que han hecho ellas mismas de sus objetos -en las ya clásicas tiendas de recuerdos que conviven con cada museo en la actualidad. Algún visionario tuvo la idea de cobrar por algo que después prohibiría al vulgo.

Negocios.

No soy partidario de la palabra prohibir, en ninguna de sus posibilidades. Aunque, como apuntaba Javier Marías en uno de sus artículos en La zona fantasma, en España hay una cierta tendencia a prohibir aquello que no gusta a cada cual. Estoy muy de acuerdo con esta frase, aunque me tomaría la licencia de apuntarle al escritor que, además también se prohíbe aquello con lo que se puede “sacar tajada”.

Sueño con el día en el que me levante, con cara de sueño, me tome el café caliente y cuando bajé y pase por delante de un quiosco (o abra la edición digital del diario en cuestión, si es que me levanté en plan vago) pueda leer a toda página y con cuerpos en negrita -e incluso a colores- el siguiente titular:

“PROHIBIDO PROHIBIR”

Entonces, cargaré mi mochila con el equipo y correré a hacer fotos, sólo por desquitarme.

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Por los tiempos de Manhattan

Con motivo de PhotoEspaña 2010, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía acoge la exposición colectiva Manhattan, uso mixto. Fotografía y otras prácticas artísticas desde 1970 al presente. Pese al nombre tan largo, se puede decir que la exposición consta de alrededor de cuatrocientas fotografías aderezadas con algunas pequeñas proyecciones y videos.

El conjunto de las fotos está considerado como una muestra de mucha altura. No defraudará al que vaya a ver la exposición y pague los tres euros (si eres estudiante la entrada es gratis y da derecho a ver todo el resto del museo), aunque creo que tampoco saldrá demasiado entusiasmado de la exposición, en cuanto a la belleza de ésta, pero sí, en cambio, a su valor documental. Fotografías, algunas que dicen mucho y otras que no aportan absolutamente nada, pero que muestran, sin duda, el tiempo.

Con una organización un poco caótica, quizá mejorable, los pasillos del Reina Sofía acogen series de aquí y de allá, sin aparentemente orden lógico, ni cronológico, ni por autor, ni temática. Se podría decir que Manhattan se convierte en el edificio Sabatini del Reina Sofía en un conjunto de pasillos que se entrelazan de manera similar a los transbordos de metro, plagados de fotogramas.

Existen series colectivas verdaderamente impactantes y originales, fruto del trabajo de multitud de autores, que retrataron el cambio que sufrió la ciudad desde los años setenta, con el aprovechamiento de las naves industriales por parte tanto de artistas como de los encargados de diversas actividades muy lejos del arte, hasta la actualidad más cercana.

La muestra recoge muchas imágenes que muestran un Manhattan cargado de melancolía y calles vacías, como delatan las fotografías de Peter Hujar o, sobre todo, las de Catherine Opie, fantásticas. También me parecieron de lo más destacable las series de Barbara Probst y Robert Longo en las que se pueden ver varias personas sobre una azotea y al fondo el skyline neoyorquino y en actitud artística. Ese es el aprovechamiento de la ciudad del que hablábamos anteriormente.

También se dota de series extravagantes esta exposición. Así lo documenta la serie que Emily Roysdon tomó en los muelles abandonados en la orilla del río Hudson, por ejemplo, en la que aparecen parejas, heterosexuales y homosexuales, practicando sexo, entre muchas otras actividades que no nos serán para nada indiferentes. Un tipo de trabajo que se acerca más a lo fotoperiodístico que al arte.

No sería mi impresión la misma si me hubiese ido sin pasar por la última sala. Se hubiese quedado la muestra un poco huérfana en cuanto a lo artístico. En ella se muestran fotografías de una serie de Jennifer Bolande. La artista recorrió las calles de la ciudad fotografiando bolas del mundo en los alfeizares de la ventana. Posiblemente esta serie sea una de las que menos valor documental tenga, pero a mí fue una de las que más me gustó y me pareció eternamente tierna. Muy evocadora de la infancia, en la que cualquiera ha jugado alguna vez con algún globo terráqueo de estas características.

Manhattan, uso mixto es, más que una exposición fotográfica, una muestra del paso del tiempo a través de las modificaciones a las que se ve sometida la ciudad. Una muestra colectiva muy acertada, teniendo en cuenta el tema central de PhotoEspaña: el propio paso del tiempo.

En definitiva, una exposición interesante sobre Manhattan, de la que merece la pena aprovechar su paso por Madrid, aunque sigo pensando que para conocer mejor Manhattan y Nueva York mediante el arte es necesario ver a Woody Allen. La exposición se podrá ver en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía hasta el 27 de septiembre.

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Las tres orillas de Mordzinski

Una exposición para amantes de la literatura. Creo que esa sería la frase con la que resumiría la muestra que expone el Instituto Francés de Madrid (Marqués de la Ensenada, 12), dentro del marco de PhotoEspaña 2010, hasta el próximo día 23 de julio.

Yo, como amante de la literatura, aviso de que antes de ponerme a escribir, incluso antes de visitar la sala de exposiciones, situada en la embajada francesa, adolezco de cierta imparcialidad. Me confieso seguidor del trabajo de este fotógrafo argentino afincado desde 1980 en París.

Las tres orillas recoge alrededor de 150 retratos de grandes escritores y personalidades del mundo contemporáneo de las letras. Su carrera le ha llevado a erigirse como “el fotógrafo de los escritores”, y parece complicado quitarle esa etiqueta. Todo empezó en 1978, con una azarosa fotografía en la que el genio argentino Jorge Luis Borges aparece en Buenos Aires interceptado vagamente por el dedo de una persona, que parece señalar a algún tipo de infinito por encima de la mente del escritor.

Al principio la fotografía no revistió especial importancia para el fotógrafo, que por entonces no sabía, ni siquiera imaginaba que iba a terminar construyendo aquel abanico de escritores, esa colección de mariposas, como le gusta llamarla, según confiesa en anteriores entrevistas.

Aunque la totalidad de su obra no comenzó con la literatura y los escritores, siempre tuvo algo que ver con ella. Al poco de llegar a París, le pidieron una exposición de sus fotografías, que tenían como tema central a los mendigos que se colocaban delante de las puertas de los restaurantes. Entonces, con cierto descaro, no dudo un instante en llamar a la persona que él consideraba que le había hecho llegar, de alguna manera, a París: Julio Cortázar, mediante su obra.

Y allí estaba el escritor, en la exposición de un desconocido fotógrafo que le había dejado un mensaje en el contestador. A partir de entonces, su carrera fotográfica se puede decir que ha estado marcada, de inicio a fin, por los escritores y la literatura. Y eso es, precisamente, lo que se expone en esta muestra del Instituto Francés.

De las paredes de la galería cuelgan retratos de grandes personalidades de las letras patrias, Ana María Matute, con su pelo cándido y canoso, o el recientemente fallecido Miguel Delibes, con un propio retrato suyo a la espalda, en una clara interpretación del paso del tiempo. La mirada penetrante de un oscuro Camilo José Cela, que cala hondo desde el marco inerte, o la mirada también, esta vez algo nostálgica de Vázquez Montalbán que, junto a su perro, atisba el horizonte por la ventana.

También dedica el platense un espacio a los escritores españoles más contemporáneos, véase tanto Juan José Millas o Javier Marías, como Almudena Grandes y García Montero en un retrato conjunto; José Manuel Fajardo Fajardo, Julio Llamazares y Rosa Montero en una bonita foto grupal, o Juan Cruz, que visita al cronopio de la tumba de Cortázar y Carol Dunlop.

Enrique Vila-Matas posa en actitud de pseudo-héroe con varios retratos en las cartucheras, mientras Carlos Salem aparece con un tatuaje de un ancla y su clásico pañuelo en la cabeza. Pero no son los únicos, la lista no acaba: Andrés Neuman, Muñoz Molina, Javier Cercas… y una larga lista de grandes firmas de nuestra literatura que pasan por el objetivo de Mordzinski.

No se olvida éste de los más cercanos, lingüísticamente hablando, y el apartado latinoamericano es bastante notable también. Como una de sus orillas, quizá la más productiva, su objetivo da buena cuenta de grandes nombres de todos los tiempos en cuanto a la literatura latina, como el ya citado Borges, un pensativo Vargas Llosa, Julio Cortázar, o Gabriel García Márquez, en la que para mí es la foto con mejor composición de toda la muestra, junto al retrato de Santiago Gamboa.

Octavio Paz se muestra serio, mientras que Mario Benedetti figura detrás de un niño que le roba algo de protagonismo en la instantánea, tal vez queriendo jugar a despistar con el eterno niño que siempre quiso ser. Otro poeta, como Juan Gelman mira fríamente a la cámara, llegando incluso a dar impresión de amenazarla, en contraposición a la mirada melancólica y algo triste de Ernesto Sabato.

Más recientemente, temporalmente hablando, aparecen el malogrado Roberto Bolaño, Juan Gabriel Vásquez, Karla Suárez, Luis Sepúlveda, Reina María Rodríguez, Álvaro Mutis, entre otros.

Y por último, la tercera orilla, que se erige en la novedad desde su última exposición en la capital. Esa tercera oleada que está compuesta por los retratos de escritores internacionales, de lenguas distintas al castellano. En ella destacan desde Levi Strauss hasta Amelie Nothomb, en un ambiente muy lúgubre, pasando por grandes nombres de la literatura universal como el afgano Atiq Rahimi, o el crítico Frederic Beigbeder, en otra preciosa imagen junto a su gato.

Nombrar todos los escritores que aparecen retratados por Daniel Mordzinski sería una tarea prácticamente imposible. Es mucho mejor acudir, si disponen de la oportunidad, a la sala de exposiciones de la embajada francesa y disfrutar de la muestra. Eso si, no esperen encontrarse con retratos convencionales, porque si algo diferencia los retratos del argentino es su personalidad propia, capaz de extraer una parte del alma del retratado, que disfruta y juega delante del objetivo, o que se muestra de una manera natural frente a él.

Las tres orillas de Daniel Mordzinski permanecerá en la galería del Instituto Francés de Madrid (Marqués de la Ensenada, 10) hasta el 23 de julio. El horario de visitas es de lunes a viernes de 10:30 a 20 horas. La entrada es libre.

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Ligeramente desenfocado

LIGERAMENTE DESENFOCADO - 1

¿Por qué ese título?, retumba en mi cabeza alguna voz que me pregunta. Porque creo que el título que se utilizó para las memorias del fotógrafo Robert Capa es idóneo para resumir la vida de un fotógrafo.

Ligeramente desenfocado, sin más.

Cómo las fotografías del desembarco del propio Capa. Con un ligero desenfoque que, en cambio, no desmerecen para nada la imagen, ya que en ellas no es lo artístico lo que más importa, sino lo documental. Creo que por eso eligió ese título. Porque además de esa característica, la fotografía tiene ese punto de desenfoque que supone a veces un pequeño riesgo.

¿No lo habéis sentido así nunca? Tienes en mente una fotografía desde hace tiempo, tienes todo el equipo preparado, la composición medida, la exposición calculada y todo el orden de cosas pendiente de cómo tú habías planeado ese momento. Sólo falta el último clic y el descender del espejo y apertura y cierre del obturador, en milésimas de segundo, que por un instante se convierten en lo más importante.

Por fin, realizas la fotografía que llevabas tiempo esperando, pero cuando llegas a casa y la descargas en el ordenador (también podría decir que la revelas, aunque esto ya –tristemente- no se lleva), ¡sorpresa!, está ligeramente desenfocada. Se la enseñas a alguien que está cerca de ti en ese momento, para tener algo en qué apoyar tu visión, pero no ve nada extraño. Para él o ella está perfectamente enfocada. El desenfoque es tan ligero que sólo el fotógrafo lo percibe y ya no le gusta tanto esa imagen tan esperada.

Es una cualidad única del ojo fotográfico, el desenfoque. En ocasiones puede resultar una ventaja. Tu mirada se puede centrar en algo que, a ojos de una mirada, llamémosle normal, no se percibe. Y eso puede dar lugar a visiones muy originales de algo muy cotidiano. Pero el problema viene en estos casos, cuando el ojo fotográfico se fija en pequeños detalles técnicos de la instantánea: una esquina en la que una sombra afea la composición, una pequeña rama encima del motivo, o un ligero desenfoque en el motivo central.

Así es la vida. Si algún fotógrafo lee estas líneas, estoy seguro de que entenderá esta curiosidad, e incluso, a lo mejor se siente identificado con ellas. O igual es sólo cosa de algunos, pero creo que la existencia de un fotógrafo se resume en estas dos palabras. Ligeramente desenfocado.

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La mirada tierna de Adriana Lestido

Envuelta en el marco de PhotoEspaña, la Casa de América de Madrid acoge una de las exposiciones que más me han gustado en los últimos años. Amores difíciles, de Adriana Lestido, es una exposición que recoge la viveza y el paso del tiempo, y que ayuda a comprender los distintos tipos de amor que nos tocan a lo largo de la vida.

En el mejor marco posible, la recogida y coqueta sala de exposiciones de Casa de América, la fotografía de Lestido nos transporta a varias situaciones de la vida de varias mujeres con alrededor de 160 instantáneas en blanco y negro.

Desde las fotografías tomadas en un hospital infanto-juvenil, entre el año 1986 a 1989, hasta los últimos experimentos fotográficos de la argentina, en Villa Gesell, una ciudad de la costa argentina, en el año 2005; la artista hace pasar su objetivo por todas las relaciones de amor posibles, con fotografías que, en palabras de la propia autora, tratan de mostrar la dificultad de amar.

Con un marcado acento fotoperiodístico, que se ha ido apagando conforme al paso de los años, para dar paso a la vena más artística; los inicios de Adriana Lestido dejan entrever una fotografía más comprometida y más social, véase la preciosa imagen de una madre manifestándose y gritando con su niña en brazos o la propia serie sobre el hospital infanto-juvenil, que muestra cómo transcurre la infancia dentro de un centro de salud.

Si analizamos por partes la exposición, Madres adolescentes trata de dar voz a esas madres jóvenes que sacaron adelante a sus pequeños en tiempos difíciles con muy pocos recursos y con la soledad y el miedo a flor de piel. Mujeres presas, la parte más impactante de la exposición, narra fotográficamente la vida y las sensaciones de las mujeres que convivían en las cárceles, donde también vivían madres con sus hijos, que se convierten un poco en los hijos de todas las mujeres presas.

El trabajo de Lestido en Madres e hijas es el más intimista de la fotógrafa. Para llevarlo a cabo, convivió durante tres años con cuatro madres y sus cuatro hijas, y retrató muchos de los momentos más íntimos en la relación materno-filial que se da entre estas mujeres. El resultado de esta labor es una serie de fotografías que conmueven y calan hondo en la mente del lector, que puede incluso evocar muchas situaciones que se hayan dado a lo largo de su vida junto a su madre.

Por último, la exposición recoge una de las últimas series que ha realizado Lestido. El amor recoge imágenes que parten de la propia experiencia personal de la autora y que se acercan más al ámbito artístico que cualquier fotografía de las otras secciones. Cabe destacar una de las imágenes que ilustran la publicidad de esta exposición por toda la ciudad en paradas de autobús y letreros publicitarios: La salsera, de la que pocas explicaciones caben. Simplemente su visión es suficiente.

Durante toda la exposición, las instantáneas, perfectamente presentadas visualmente, se dotan de una ternura especial y dejan claro que la fotógrafa consiguió reflejar, sin duda alguna, las relaciones de amor, en todos los ámbitos en los que se propuso hacerlo.

En el año en que PhotoEspaña ha querido dar importancia al paso del tiempo, la exposición Amores difíciles es un perfecto ejemplo de cómo nacemos, y desde ese momento, nos empezamos a preparar para la separación de nuestra madre, y viceversa. La ternura y la experiencia de Lestido plasmadas en sus películas. Una manera de hacer fotografía de una mujer para la que, según sus propias palabras, “fotografiar es quitarse oscuridad de encima”.

Amores difíciles. Adriana Lestido. En Casa de América hasta el 29 de agosto de 2010. Exposición perteneciente a PhotoEspaña 2010.

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Look

Look. David Bailey. Jackie Higgins (recopiladora). Editorial Phaidon. 128 páginas. 9,95 €.

Look. Ya en la portada una de sus fotografías nos invita a introducirnos durante un rato por su trabajo fotográfico. En ella, un niño de mirada traviesa desvía la mirada a la izquierda, mientras que en el cierre metálico que está justo detrás de él está sobre impresionada la palabra look encima de una flecha que indica la derecha. Esto podría ser una buena síntesis de la obra del británico, controvertida y rodeada de mucha polémica.

David Bailey es un conocido fotógrafo que ha basado casi la totalidad de la obra en una iluminación dura y una escala de grises, que tratasen de realzar ese aspecto cruel de la realidad. Su trabajo enmarca casi la totalidad de una época, los 60, aunque en esta recopilación de Jackie Higgins, que consta de 56 fotografías, también se incluyen alguno de sus trabajos más personales y modernos.

La fotografía de Bailey puede resultar mejor o peor, pero lo que es invariable es que pocas veces deja a nadie indiferente. El elemento más frecuentado por el artista es la controversia. De esta manera, no es raro encontrar imágenes de corte más intimista y muy personal, junto a algunos retratos que rezuman personalidad, intimismo, desfachatez y sexualidad. Su obsesión con la figura de la mujer, y con extrapolar su belleza a cada una de sus películas, tiene su resultado en instantáneas como las que muestran a Paulina Boty, Catherine Deneuve, Jean Shrimpton, o la que se convertiría en su musa por excelencia, Catherine Dyer, que tras casarse con él adoptaría su apellido. Todas de una belleza y una carga de sensualidad muy poderosa.

Muchas son las caras conocidas que miran impasibles al objetivo desde las páginas gruesas de este libro de pequeño formato que nos trae la editorial Phaidon. Johnny Depp, Jack Nicholson, un popular retrato de Mick Jagger, o una foto de algunos Beatles, son algunos de los ejemplos de los frecuentes en las alfombras rojas que el británico inmortalizó con su equipo.

No obstante, no sólo de grandes celebridades vive el hombre, y Bailey reservó su sitio en el álbum a algunos de los grandes maestros de la fotografía clásica y contemporánea como Helmut Newton, el fotógrafo de guerra Don McCullin, Jacques Henri-Lartigue, Man Ray, o Brassaï, del cual su retrato bien merece la lectura del libro. Esos grandes fotógrafos a los que él consideraba maestros.

Look no es el típico libro de retratos de gente del mundo del espectáculo, en absoluto. Es mucho más que eso. Este volumen es el resumen de un talento y el poso de una obra que en años venideros será incluida entre la de los grandes fotógrafos de nuestra época. La única pega: que los textos están en inglés.

David Bailey. Un artista que, sin apretar más gatillo que el de su cámara, robó un poco el alma a cada uno de aquellos a los que fotografió.

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